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はてなキーワード: YMOとは
大腸がんサバイバーになった直後に脳腫瘍になり2026年2月逝去。享年56歳
オリジナル・ラブの初期サポートメンバー。フリッパーズ・ギターやコーネリアスの楽曲にも参加。2025年死去。享年59歳
パンクバンドBALZACのドラム。2025年9月、家族の外出後に1人で倒れていた。享年51歳
杉山清貴＆オメガトライブ、クレイジーケンバンドのドラマー。体調不良により2023年にグループ脱退していたが2025年3月に脳出血で逝去。享年64歳
BEGINなどのサポートとして沖縄で活躍。2025年11月逝去。享年49歳
COOLという、舘ひろしをリーダーとするバイクチームとして誕生し、岩城滉一も在籍していたバンドのドラム。2025年3月逝去。享年73歳
BARAKAという3人バンドのドラマー。沢田研二のバックバンドも務めた。2025年9月逝去。享年62歳
80歳過ぎても晩年まで現役だったジャズ・ドラマー。2024年に老衰のため88歳で大往生
ペトロールズというバンドのドラマー。2024年に自宅で倒れていたのを発見される。享年45歳
ジャズ・ドラマー。ティンパニなどクラシック打楽器の知見もあった。2024年8月に多臓器不全で逝去。享年73歳
LIP CREAMなどで活躍したパンク系ドラマー。狼狂二名義での活動も。2024年逝去。年齢非公表だが活動時期的に60代半ばくらいと推察される
HI-STANDARDメンバー。2023年に51歳で逝去
BAADというバンドのメンバー。スラムダンクのアニメオープニングテーマ曲で知られる。2023年に55歳で逝去
ハードロックバンドBOWWOWのメンバー。2023年に66歳で逝去
2023年以降に逝去した、享年がはっきりしている15名のプロドラマーの平均寿命は62歳。
しかしジャズドラマーは全員これより長生きで、ジャズ以外のドラマー12名に絞ると59.2歳と還暦すら下回ることに…
世界的にもドラマーは短命傾向があり、突然死の事例も多数ある、というより突然死じゃないドラマーのほうが少ないようにすら見えるが、ジャズドラマーだけは長生き。スティーブ・ガッドも80超えでいまだ現役だ
真矢の早世で思い出したが、「ドラマーは基本的に短命」である。
なお事故死は含まない
・MALICE MIZER Kami 享年27
・手数王・菅沼幸三 享年62
・クレイジーケンバンド 廣石恵一 享年64
・Hi-STANDARD 恒岡章 享年51
ドラマーはギタリストやボーカルより寿命が10年以上短いとも言われており、平均寿命は相撲の力士と大差ない
スティーブ・ガッドのように80歳でも現役の例や加藤茶のように80超えて長生きする例もあるが、長生き事例はほぼジャズ・フュージョン系のドラマーに限られる
またいきなりポックリの割合が高い。くも膜下出血、脳梗塞、急性心不全が主な死因だ
高市早苗もそろそろかも知れんよ。メタルドラマーだから短命コースだ
星野源さんは、「海外の音楽ジャンルを複数取り入れてミッスクし、国内用の音楽に作り替える」という点で、過去の日本の伝統に則った「輸入型ミュージシャン」そのものだと思う
そして、これは日本という音楽においてガラパゴスな市場で、海外の音楽をあまり聞かないリスナーに対しては、外への耳を養成するという面でも効果がある
一方で、グローバルな市場に対して売り込めるかというと、海外には影響元の尖った音楽がいくらでもあるという点で厳しい
この「輸入型」にプラスして、日本の独自性を打ち出すことで海外でも評価されたのが、大先輩の細野晴臣さんのYMOだったわけで、輸出型への転換は音楽やビジュアルイメージに相当の先進性とアイデアがないと難しいということになる
細野晴臣さんがYMOのコンセプトを考えた時に、「ホワイトでもブラックでもない、イエロー・マジック」という人種イメージ、「ゲーム音楽やスターウォーズが流行ってるから取り込もう」という最新トレンドの見極め、「グローバルに対して『何ちゃってアジア』を想起させるビジュアルの提起」というクレバーさ、そして音楽的にはドイツのクラフトワークを参考に、オリジナリティを構築して欧米の最新トレンドに合流したという実力
こういうのは事後的には何とでも言えるけど、はじめから国内ではなく海外を見て成功させたのは本当にすごい
やり方としては、特に「これが日本なんだよ」というイメージを売りにしたという点や、クラフトワークを参照してグローバルのルールに割り込んだ点などが、現代で言うとアーティストの村上隆さんと一緒だなとも思う
細野晴臣が若者人気あるの？ってのは、近年の流れ的にそれはある
海外ではカナダのローファイ系シンガーソングライター、マック・デマルコが、細野さんの「僕は一寸」を日本語カバーしたこともちょっとした話題になったり、サム・ゲンデルもカバーしていたり
日本では星野源をはじめ、現在進行形のミュージシャンの音楽的な祖先として認知されていたり
売り手側もそれを分かっているから、いわば先祖返り人気を盛り上げようとしているんだろう
サブスクリプション時代の音楽として、「日本語ロックの祖」はっぴいえんどから、海外輸出が成功した数少ないグループであるYMOという強力な物語を有しているのはめちゃくちゃ有利だし
戦後日本の音楽の成り立ちを考えるうえでも、海外、特にアメリカ音楽の受容そのものの細野さんの音楽は、何度も現在に浮かび上がり得る
「Ryuichi Sakamoto: Diaries」という、坂本龍一さんが亡くなる前の数年間を描いたドキュメンタリー映画を見た。
坂本龍一さんの音楽は聞いたことはあるが、そこまでのファンというわけではない。
ただ、他に見たい映画も無かったし、その音楽の才能と功績が、世界中で認められた人の最期というのはどのようなものなんだろうという興味があったので見た。
坂本さんは日記をつける習慣があり、亡くなるまでの間もノートやiPhoneのメモ帳に、短い言葉を残していったようだ。
予期した通りではあったが、検査でステージ4の癌が発覚した後、ずっと「苦しい闘病生活を送り、わずかに延命することに意味はあるのか？」という問いと「まだ死にたくない」「音楽に没頭する間は死を忘れられる」というような心の変化が描かれている。
既に意識を失い、痩せ衰えたピアニストの指は、まるでピアノを弾いているかのように動き続ける。
これはとても悲しくドラマティックであると同時に、見る側に罪悪感のようなものを想起させる。と思う。
他人の、そして映画を見る人にとっては概ね「推し」の死を観測するというのは、どういったことなのか。意味があるのか。
死の瞬間まで、映画というある種のエンターテイメントに変換されることは、本人にとって幸せなことであるのかどうか。
そしてもう一つ、死が映画になり得る人間というのはほとんど存在しない。彼が特別な人間だからこそ、映画になり得たということ。
YMOや個人の音楽活動、アート活動で積み上げた実績、音楽の大きな才能があったからである。
そんな才能を持つ人でさえ、死に直面した際には「たった一年延命することに意味があるのか？」と問い続ける。
第三者から見れば、天才に一年の時間があれば、音楽が残る。インタビューが残る。その言葉から書籍が残る。それらを待ち望む人が世界中にいる。
しかし、ほとんどの人の最期には、そんな期待はあり得ない。客観的には、何も残さずに死ぬしかない。
そんな凡人にとっての延命とは何か。
自分が同じ場面に遭遇してしまったら、果たして闘病を決心することになるんだろうか。
個人的には、「凡人の死」「何も残さないであろう自分の死」を考えさせられる映画であり、心が冷たくなるような時間だった。
見てよかったかといえば良かった。
強くおすすめはしない。
特に昭和平成に活躍した「文化人」の皆様は世界中の良いものも知っていて教養もあるのに、みんな引退して南の島でゴロゴロしているのか、あるいは年をとって思うようにならないのか発信活動が低調だ。若い人が動画ベースでつくる「バズ」は文化的な底が浅いし、2chやその他サイトでおじさんたちは「何回も通ってきた道」だしでとてもつまらない。AIギミックには驚くものの、やっぱり底が浅い。つまりすぐ手に入る身の回りの文化に枯渇感が激しい。良いものにあふれていた良い時代を知っているだけになおさらだ。
良いものを作ったり良いものをたくさん知っている人達は老化して自分で発信する力が衰えている。音楽など顕著で、50年昔のYMOや70年前のエラ＆ルイも今みても何回みても聞いても素直に楽しめるけどそれに匹敵するような文化的なすごさを備えた音楽体験みたいなのがとても難しくなった。なんだかとても寂しい。
昭和の頃は冷戦で日本の輸出先は欧米中心だった。仕事でも欧米に出張行って帰ってくる人多かった。当然アメリカの文化や言葉を知ろうとするし、米国帰りの出羽の守は「今アメリカでわ」とやるわけだけど、冷戦が終わって貿易相手国に中国とかアジア比率が増えた。韓国と仕事をする人は韓国ドラマ見るし、香港と仕事をする人は香港映画の話をする、そんなわけで相対的に欧米文化へのあこがれみたいなのが少なくなっていった。アメリカではポップカルチャーがヒップホップとかラップとか貧しい黒人が全面にでるものが多くなって往年のMGMミュージカルみたいな日本人の好みとはちょっと乖離していった。シティポップYMOで育った世代は国内でおしゃれすぎる世界の最先端音楽を聴きまくっていたので、
洋楽（米国ポピュラー音楽）みたいなダサい音楽を必要していなかった。韓国は国を挙げて音楽やドラマなどソフトパワーに力をいれてきていて、昔グラムロックとかに入れあげていた女子の需要を韓流で置き換えることに成功していた。国内では失われた30年に突入し、無理しない背伸びしない身の回りを大切にするコスパタイパという流れの中で、70年代のフォーク的なシンプルアコースティックな音楽に回帰する流れもあった。
やっぱりYMOが1979年頃出てきて、それまでのポップスの構造をひっくり返した全くの発明だった。その頃の洋楽もシンセサイザーが入ってるんだけど、それほど強調しないような音も当初から出てきてて、音の加工が80年に本格的また突発的に発明されてその時代に自分は立ち会った。そこから考えるとあれから50年も経つのに今の音楽家がどうたらとかいうつもりはないが、全くの発明というくらいの音楽は現れていない。どういうのが現れても既視感がある。YMOがやっていた頃の後期の自然なシンセサイザーの音が現代の音楽でも継承されているが、電撃を食らったような聞いたことのない音はいつ出てくるのだろうか。
音楽家はどんどん新しい人が現れるけどほとんどが前のものの引用で終わっていて、若さだけが価値になって中高生が人生で初めてポップスを聞くので若い音楽家に憧れて共感して聞いているが、次に若い人と若いリスナーがまた出逢えばずっと同じことの繰り返しということが起こっている。今はそのサブスクに蓄積されている昔の音楽を引用するのはいいが、どうにもこうにも新しい音楽の発明がないとなると、せっかくパソコンでスマホで作り放題つくれるというなら、音楽ソフトの縛りを壊してしまうような人がいて、なおかつ旧来の大衆音楽に届くような合せ技をやってこないとどうにもならない。
LINEオープンチャット「はてなブックマーカー」の１週間分の要約を、さらにAIを使用し、試験的にまとめまています。
https://anond.hatelabo.jp/20240722084249
なんかクソみたいな、老害爺のマウント記事を読んでしまって心底うんざりしたので、思わず増田に書くことにした。
そもそも、Lausbub（読みかたはラウスバブでよい）は北海道札幌市内の女子高生２人組が軽音部の活動がコロナ渦で中断され、自宅録音を始めたことがきっかけで始まったバンド。
ちなみにこの二人が最初に演奏したのはKhruangbinバージョンのFirecrackerだそう。Martin Denny→YMO→Khruangbin→Lausbubという系譜はなんかわかる感。
その宅録バンドで道内のコンテストに出品するために作られたのが、元Togetterでも紹介されたTelefonの映像。
https://x.com/kudaranai_tkn/status/1350967230750666757
僕も御多分にもれずこの映像で一発でやられた口。おじさんたちは女子高生YMOだ電グルだと騒いでたが、僕はどちらかと言ったらWorking Men’s Clubあたり同時期のUKインディのバンドを想起させられてびっくりした。えっ、日本でこういう機材でこういう音のバンドを女子高生がやるのかと。まあ、見た目のギャップがすごかったというのもある。
https://www.youtube.com/watch?v=HGqwopJpBWA
その後は当人たちの受験もあって活動はおとなしかったのだが、進学して以降（追記：たぶん彼女たちは上京してないと思う）はリリースも始まる中で、僕がこの子たち一発屋じゃないなと思ったのは、この曲を聴いたとき。
たまごっちのコラボプロジェクトということで、スチャダラパーのBoseと共演して作った楽曲。これPVがあってそっちがものすごくよかったんだが、音源だけでも聞いてほしい。この曲を聴いたとき、僕はボーカルの髙橋芽以にぐっとやられた感がある。聞いた瞬間にLausbubの曲になる声。こういう声の主はなかなかいない。百戦錬磨のBoseのラップに負けていない特徴のある声。曲もたまごっちのSEを駆使していてすごくポップでよい。
https://youtu.be/ALWtGD3l31Q?si=P6LUhgTCeDX4JezW
ほぼ同時期に発表されたこの曲が僕は一番好きかもしれない。アンビエントな上物と無機質でSEっぽいリズムトラックの組み合わせは、現行のJ-POPバンドでは絶対にやらない音で、かつ、メロディはフックがあるけどJ-POPになりすぎない。でもサビの部分だけ切り取れば十分に印象に残るという絶妙なライン。とにかく岩井莉子と髙橋芽以の二人が唯一無二な存在だと実感させられた曲だった。ちなみに北海道の情報誌のＣＭソングに使われたらしい。実は大学入学以降のLausbubの作品はけっこうな頻度で地元のＣＭソングなどにフックアップされている。どうやら地元代理店に気に入られたらしい。タイアップの確率で言えばMrs. Green Apple並みである笑
この曲をリードトラックにした1stミニアルバム M.I.D. The First Annual Report of LAUSBUBはもちろんＣＤもアナログ盤も買いました。
https://youtu.be/_8W0Nzs92as?si=ZeGX5MJuN7hhh5Hp
札幌国際芸術祭のテーマソングにも彼女たちの曲が使われる。これもまたガチガチなエレクトロニカで、よくこんなのを起用したなと驚かされる音である。とにかくリズムトラックが無茶しすぎ。ドラムンというかブレイクコア？こんな音をキャンペーンソングにする度量がすごい。メジャーレーベルからは絶対にリリースされない音だと思う。サウンドメイキングがどんどん洗練されていくのをビビりつつ、このバンドメジャーにはいかないだろうなとも思わされた。
https://youtu.be/WXq2nOmvuHI?si=H-60YydCdbvSAsel
そして現時点で最新作、かつ、1stアルバムROMPのリードトラックがこの曲。メロディのフックはよりよくなりつつ、アレンジはより過激で攻撃的になっていった現時点での集大成だと思う。PVも不思議な感触のものにしあがっており、ああ、このバンドはすっかりカルチャーなバンドになったんだなと感慨深い。ただリズムはストレートな四つ打ちなので意外と聞いた感じはすんなり聞ける。大人のディレクションがある程度入っているもののJ-POPっぽい産業感からは全然遠いところに居続けるこのバンドはほんとに素晴らしい。
https://youtu.be/vyBjgdo_lFY?si=f-IT0ePZA2EKLAa7
彼女たちが初期のライブから演奏してる細野晴臣の曲のカバー。このライブ映像は2024年のもの。原曲に近いアレンジをしているけどかなりLausbubっぽさがあっていい曲をカバーに選んでるなと思った。ただ個人的には髙橋の声には細野よりも幸宏（あ、こっちも髙橋だ！）の声が似あうように思うんだよね。ちなみにLAUSBUBは細野のラジオにも何度か出演している仲良しでもある。
https://youtu.be/w7HRowQMyLA?si=sHPhABjfFdjJDols
最後におまけでパ音の曲に髙橋がボーカル参加した曲を。これちょっと名曲すぎる。とにかく曲とボーカルがはまりすぎてる。そしてPVの髙橋がなんだかんだでかわいい。これは令和のYUMEGIWA LAST BOYというか虹というか、Heavenly Starというかそういうラインにある名曲。僕の人生の100曲に確実に入りそう。
それでフジロックに彼女たちが参加するということでにわかに話題ですが、すでにRISING SUNには参加経験もあるし、ほかにもいくつかフェスには参加してる、直近では5月に福岡でCIRCLEに参加してるので、今更フジロックでそこまで驚くのか（レッドマーキーとかなら驚いたけど）という印象です。
このバンドの魅力って、自分たちの嗜好する音楽をそのまま咀嚼して作品に反映してるところなんだけど、面白いのがいわゆるＪ－ＰＯＰ的なメロディが薄いことだと思います。今のＪ－ＰＯＰって良くも悪くも売れてる音はすべて、いや売れてなくてもすべてＪ－ＰＯＰのメロディが入ってきてるんですよ。ロックだろうがヒップホップだろうがアイドルだろうがアニソンだろうが関係なく、宇多田ヒカルなんかでもそうですね。で、今はそういう音が世界的に評価されて、現代のＪ－ＰＯＰだとGatcha Pop、昔のものだとCity Popという評価を得ているわけです。コード進行の問題なのかどうか、楽理的なことは僕は全然わからないんですが、とにかくエモいんですね。まあ、人によってはそれを歌謡曲っぽいというのですが。
しかし、Lausbubの音楽はその要素が薄い。近年の曲はあえて日本語で歌ってる様子がありますが、このメロディを英語にしたら、最近の洋楽のインディロックやエレクトロニックミュージックと差がかなり少なくなります。それは強みであると同時に弱みでもあって、海外の一部の音楽ファンにはすんなりと受け入れられるけど、日本人的な強みは弱いということで、なかなか海外の日本文化ファンからはフックアップされにくいかもなあと心配になります。
極端な話、LausbubとGinger RootのどっちがJ-POPっぽいかと言われたらGinger Rootだと思いません？ それだと海外で日本の女性エレクトロニカバンドです！と言われても売れにくいだろうなと。
でも僕はそういう彼女たちだからこそ、このままでもっとドメジャーで売れるといいなと思ってます。
あと、彼女たちの場合、大人の手はそれなりに入ってるものの、レーベルは極東テクノという自分たちのレーベルだし、作詞作曲やプロデュースはあくまで自分たちでやっているので、成長は時間がかかってるもののセルアウト感がないのですごく応援しがいがあります。
彼女たちがTelefonで話題になったとき、メジャーの手がゴリッと入ったら、今の.tukiとかimaseみたいな売り出し方したような気がするんですよ。音楽よりも付随情報で先に売り出すようなやり方で。
卒業してもTelefonの時のような朴訥とした女子高生みたいな見た目のままで、制服コスプレして演奏するみたいなルートもあったけど、彼女たちはそれを選ばなかった。まあたぶん周辺の大人たちも選ばなかったんでしょう。僕はむしろそれがよかったんだと思ってます。
